КАННЫ И ИСПАНСКОЕ КИНО

 

Peppermint frappé, реж. Карлос Саура

  САУРА И БУНЮЭЛЬ

Конечно, не всегда участие испанских фильмов в фестивале заканчивалось побоищем. Наоборот, их очень часто, хотя, возможно, и недостаточно, приглашали в официальную программу (на конкурс или в программу «Особый взгляд») или в параллельные секции. Так, Карлос Саура десять раз участвовал в Каннском фестивале, в том числе и с первой своей картиной – Los golfos (1960 г.). Именно в Каннах любознательный 28-летний режиссер, поклонник социального реализма, завязывает дружбу с изгнанным в Мексику испанским мастером Луисом Бунюэлем (Luis Buñuel), представляющим снятый на английском языке фильм The Young One. Спустя много лет, в 1968 г., когда Саура вновь приезжает на фестиваль, его картина Peppermint frappé демонстрирует уже иные выразительные средства и более высокую степень свободы. Балансирование между сном и явью сочетается в ней со стремлением к реализму, воспоминаниями и психологическими переживаниями, связанными с гражданской войной 1. Многие приписывают эту трансформацию стиля влиянию Бунюэля, однако большинство сходится на том, что драматические приемы позволяли Сауре избежать свирепствовавшей при Франко цензуры.

  

Однако испанская цензура остается неумолимой. Вспомним смешную и трогательную сатирическую картину Bienvenido Mr. Marshall гениального, но обойденного вниманием Каннского фестиваля Хосе Луиса Берланги (Luis G. Berlanga) 2 о жизни испанской бедноты и американской помощи европейским странам. В финале ленты ручеек увлекает маленький флажок США в сточный желоб. Член жюри Эдвард Дж. Робинсон (Edward G. Robinson) приходит в ярость, усмотрев в этом эпизоде злой умысел, который Берланга отрицает… Испанская цензура придает большее значение протестам актера, нежели объяснениям режиссера, и дает указание вырезать кадры – к счастью, с тех пор они были восстановлены.

Испанская цензура очень внимательно следит за тем, что происходит за пределами страны. Так, после того, как Бунюэль получил «Золотую пальмовую ветвь» за первую снятую в Испании после гражданской войны картину «Виридиана», газета «Оссерваторе романо» выступила с резкой критикой богохульственного по ее мнению фильма. Правительство Франко тут же смещает с должности министра кинопромышленности, приехавшего за трофеем, и не только запрещает прокат ленты в Испании, но и приказывает уничтожить негатив, чтобы стереть все следы существования фильма. Мало того, властям удается добиться прекращения деятельности испанской кинокомпании Uninci. Таким образом, снятая совместно с Мексикой «Виридиана» прошла по экранам всего мира, кроме Испании, где ее первый показ состоялся лишь в 1977 г., после смерти Франко, через шестнадцать лет после вручения «Золотой пальмовой ветви». Спустя несколько лет, в 2000-х гг. на Каннском фестивале проходят торжественные мероприятия, посвященные Бунюэлю и «Виридиане» 3.

Несмотря на этот конфликт, через некоторое время Луис Бунюэль вновь возвращается в Испанию для съемок. Его новый фильм «Тристана» (1970 г.) принял участие во внеконкурсной программе Каннского фестиваля. В 2010 г. вечер, посвященный этой картине, вели Педро Альмодовар (Pedro Almodóvar) и исполнившая главную роль Катрин Денев (Catherine Deneuve).

  КЮРЕ И ФЛАМЕНКО  До того, как произошли описанные выше события, испанский кинематограф 1950-х гг. эксплуатировал в основном фольклорные и религиозные сюжеты, и к этому типу относится большинство снятых в то время фильмов. Примером этой тенденции могут служить картины Balarrasa (1951 г.) – религиозный гимн победителям в гражданской войне – или ленты Debla, la virgen gitana и Rumbo (1951 г.), прославляющие талант певицы Пакиты Рико (Paquita Rico). Вспомним, что правительство Франко не жалело денег, представляя собственные фильмы в Каннах. На премеры приглашались самые известные артисты – такие, как Пакита Рико. После показа они песнями и танцами развлекали публику, которая в это время угощалась гигантской паэльей, специально привезенной из Мадрида. Но могли ли эти картины в 1951 г. конкурировать с такими произведениями, как «Чудо в Милане», «Все о Еве», «Место под солнцем», «Фрекен Жюли» или «Забытые», за которых награды был удостоен Луис Бунюэль?

Однако испанское правительство не теряло надежды и спустя год, в 1952 г., вновь прислало на фестиваль Пакиту Рико и ее новую картину María Morena, хотя тогда же был представлен интересный фильм Surcos Хосе Антонио Ньевеса Конде (José Antonio Nieves Conde), в завуалированной форме рассказывающий о черном рынке и коррупции. Позже в испанском кинематографе развивается движение неореализма. В этом году в Каннах завоевывают награды две ленты: «Два гроша надежды» Ренато Кастеллани (Renato Castellani) и «Умберто Д.» Витторио де Сики (Vittorio De Sica). Политическое направление представлено лентами «Все мы убийцы» или «Вива Сапата», за участие в которой Марлон Брандо (Marlon Brando) получает приз за лучшую мужскую роль. Что могут противопоставить этим картинам испанские фильмы, подвергающиеся жестокой цензуре? Даже те из них, что отличались гораздо большими художественными достоинствами и были показаны в конкурсной программе Каннского фестиваля – Cómicos (1954) и La venganza (1958 г.) Хуана Антонио Бардема (Juan Antonio Bardem), были редкими гостями за пределами страны 4.

Отдельного упоминания заслуживает картина Marcelino, pan y vino (1955 г.). Она была отмечена в Каннах за исполнение главной детской роли, а спустя месяц получила «Серебряного медведя» на Берлинском кинофестивале: тогда одни и те же ленты могли быть показаны на нескольких фестивалях.

ИСКЛЮЧЕНИЯ

 

Одержимость испанской цензуры и презрение к диктатуре Франко со стороны демократических стран ставят испанский кинематограф, вполне заслуженно, в невыгодное положение. Местные кинокритики часто возмущаются тем, что ни одна картина не прошла отбор на фестиваль, считая, что фильмы официальной программы иногда уступают творениям испанских режиссеров. Также они протестуют, если испанская лента, не соответствующая среднему уровню развития национального кинематографа, была приглашена на фестиваль в исключительном порядке.

Так случилось с лентой Campanadas a medianoche, снятый Орсоном Уэллсом (Orson Welles) в Испании благодаря героизму продюсера, которому пришлось продать права на фильм, чтобы завершить съемки. Этот шедевр, который можно в некотором смысле рассматривать как завещание Уэллса, получил лишь приз C.S.T. – Высшей технической комиссии аудиовизуальной индустрии – за технические достижения, да еще и поделив его с двумя другими лентами 5. В этом году жюри под председательством Софии Лорен (Sophia Loren) допускает ошибку…

Иностранные критики обычно относятся к испанским фильмам с некоторым предубеждением и часто ищут в них изображение гражданской войны, диктатуры или жестокости местных обычаев. Эти характеристики в полной мере относятся к ленте Pascual Duarte Рикардо Франко (Ricardo Franco) 1976 г., которая представляет собой экранизацию романа «Семья Паскуаля Дуарте», написанного Камило Хосе Селой (Camilo José Cela) в 1942 г., и ставшего предтечей «социального реализма». Картина разоблачает тяжелые условия жизни крестьян, смертную казнь и использование гарроты 6. Некоторые эпизоды кажутся чрезмерно жестокими – так, сцена убийства собаки из ружья вызывает протесты в зале. Однако это не мешает исполнителю главной роли Хосе Луису Гомесу (José Luis Gómez) получить приз за лучшую мужскую роль.

Тот же приз вновь достался Испании в 1984 г. – на этот раз его разделили между собой исполнители главных ролей в фильме Los santos inocentes Марио Камуса (Mario Camus) по одноименному роману Мигеля Делибеса (Miguel Delibes), также посвященному суровой жизни крестьян, эксплуатируемых «хозяевами». Франсиско Рабаль (Francisco Rabal) и Альфредо Ланда (Alfredo Landa) поднимаются на сцену, чтобы принять приз из рук председателя жюри Дирка Богарда (Dirk Bogarde). Впервые телевидение ведет прямой репортаж с церемонии закрытия фестиваля в условиях, когда имена лауреатов до последнего момента остаются неизвестными 7.

Нельзя не вспомнить Пилар Миро (Pilar Miró), назначенную на должность генерального директора Института кинематографии: именно ей удалось полностью изменить имидж испанского кино на Каннском фестивале. Она начала с того, что увеличила площадь и с помощью рекламных плакатов украсила стенд Испании на Кинорынке (Marché du Film) и в том же году организовала памятный праздник, в котором участвовало все светское общество Канн, в том числе и министр культуры Франции Жак Ланг (Jacques Lang).

Пилар удалось представить в Каннах замечательные испанские картины. Так, за год до того был показан фильм Виктора Эрисе (Víctor Erice) «Юг», который, хотя по вине продюсера и не был закончен, отличается тем не менее поразительной красотой. Лента «Дух улья», получившая Золотую раковину на кинофестивале в Сан-Себастьяне в 1973 г., на следующий год демонстрировалась в Каннах в рамках программы «Международная неделя кинокритики». Стоит вспомнить и великолепный фильм El sol del membrillo, получивший приз ФИПРЕССИ и специальный приз жюри, председателем которого был Жерар Депардье (Gérard Depardieu), а одним из членов – Педро Альмодовар (Pedro Almodóvar). Виктор Эрисе вернулся в Канны в 2002 г. с эпизодом Alumbramiento коллективного труда Ten Minutes Older – по моему мнению, лучшей частью этой работы. 8 Говоря о Викторе Эрисе, следует также упомянуть, что он был членом жюри Каннского фестиваля в 2010 г. 9 

После смерти Франко в ноябре 1975 г. новое интересное испанское кино все чаще появляется на экранах Каннского фестиваля. Объем статьи не позволяет привести здесь полный список этих фильмов, как и фильмов, в производстве которых Испания принимала участие – речь идет о работах таких режиссеров, как Поль Ледюк (Paul Leduc), Мануэл де Оливейра (Manoel de Oliveira), Патрисио Гусман (Patricio Guzmán), Лукресия Мартел (Lucrecia Martel), Стив Содерберг (Steve Soderberg), Кен Лоуч (Ken Loach), Эмир Кустурица (Emir Kusturica), Вуди Аллен (Woody Allen) и других.

АЛЬМОДОВАР

Молодой испанской демократии приходится еще давать бой пережиткам прошлого. Последний в истории испанского кино запрещенный фильм был, наконец, представлен широкой публике и снискал огромный успех. В 1980-х гг. все меняется. «Виридиану» показывают в кино, политические партии легализуются, снимаются новые фильмы об историческом прошлом и появляются новые авторы, рассказывающие об окружающей действительности совершенно удивительным способом. Среди них – Педро Альмодовар.

Талант Альмодовара не был открыт Каннским фестивалем. Две первых ленты молодого режиссера были представлены в Сан-Себастьяне, а «Женщины на грани нервного срыва» – в Венеции (ходят слухи, что фильм не понравился отборочному комитету Каннского фестиваля и программы «Две недели режиссеров»). Тем не менее, рецензия Луи Маркореля (Louis Marcorelles) попадает в газету Le Monde, и после показа на Кинорынке картину покупает компания Orion. С этого момента Альмодовар обретает мировую славу, а Канны признают свою ошибку и начинают оказывать режиссеру всевозможные знаки внимания. В 1999 г. за фильм «Все о моей матери» он получает от жюри под председательством Дэвида Кроненберга (David Cronenberg) приз за лучшую режиссуру. В 2004 г. он открывает официальную программу фестиваля внеконкурсным показом ленты «Дурное воспитание», а два года спустя завоевывает приз за лучший сценарий к фильму «Возвращение», в то время как награды за лучшие женские роли достаются сыгравшим в нем актрисам. В 2009 г. Альмодовар участвует в конкурсной программе с картиной «Разомкнутые объятия». 

Альмодовар – неиссякаемый источник идей, чувств и страстей. Со времен Бунюэля и Сауры ни один испанский режиссер не снискал подобного мирового признания, и несмотря на то, что первый успех пришел к нему не в Каннах, фестиваль немало содействовал становлению его репутации. Можно даже сказать, что Альмодовар строит идиллические отношения между испанским кино и Каннским фестивалем, хотя это строительство еще далеко от завершения. Помимо недавно участвовавших в кинофоруме таких фильмов, как «Бьютифул» Алехандро Гонсалеса Иньярриту (Alejandro González Iñárritu), «Агора» Алехандро Аменабара (Alejandro Amenábar), «Лабиринт Фавна» Гильермо дель Торо (Guillermo del Toro), La soledad Хайме Росалеса (Jaime Rosales), в Испании остается еще немало достойных внимания лент…

 Диего Галан (Diego Galán) кинокритик и историк кино 

Начало испанского кино (1906-1910) / Origenes del cine espanol

Любовь, которая убивает / Amor que mata
1908 г., режиссер Фруктуос Хелаберт, 00:08:07
Одна из первых испанских мелодрам. Он и она дружат с детства, полюбили друг друга, она уехала. Вышла замуж за другого…
Видимо сеньоры и сеньориты выходили из кинотеатра с платками насквозь мокрыми от слез.

Бенитес хочет быть тореро / Benitez quiere ser torero
1910 г. режиссер Анхель Гарсиа Кардона / Angel García Cardona, 00:03:22
После успеха ранних комедий Андре Дида во многих странах пытались повторить его успех, создав свой, национальный образ серийного комедийного персонажа не отличающегося умом и сообразительностью: в России это был дядя Пуд, а вот в Испании был создан свой вариант: Бенитес. Главную роль исполнил известный в то время танцор фламенко Хосе Бенитес.

Дон Хуан Тенорио / Don Juan Tenorio
1908 г., режиссер Рикардо Баньос / Ricardo Banos, 00:14:25
Фильм по пьесе великого испанского драматурга Тирсо де Молина, впервые создавшего образ дона Хуана.
В этом фильме уже используются спецэффекты при появлении призрака Инес.

Деревенский слепой / El ciego de la aldea
1906 г., режиссер Анхель Гарсиа Кардона / Angel García Cardona, 00:07:59
Деревенский слепой вместе со своей спутницей, живущие подаянием, случайно стали свидетелями преступления…

Электрический отель / El hotel electrico
1908 г., режиссер Сегундо де Чомон / Segundo de Chomon, 00:04:52
А вот это — самый серьезный коммерческий успех раннего испанского кино. Первый испанский фильм, имевший коммерческий успех как в Европе (в том числе и в России), так и в США.
Фильм где испанцы по спецэффектам превзошли великого Мельеса и оказались впереди планеты всей
Пара молодоженов приезжает в отель, где щетки сами выпрыгивают и чистят ботинки хозяевам, комод сам открывает ящики и т.д.
Очень эффектная почти сюрреалистическая концовка.
Этот фильм стоит обязательно посмотреть.

Эти фильмы можно скачать по этой ссылке http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=1358239

Или посмотреть на www.ex.ua

Специально для «Антологии испанского кино»

Орлов Глеб

«Я тоже» Алваро Пастора и Антонио Нахарро

Но общество, разумеется, этого не осознает. Особенно в постсоветском пространстве, где даже среди своих – людей с особенным физическим развитием – слово «даун» используется как оскорбление. Что уж говорить про тех, кто считает себя «нормальным», на самом деле не являясь таковым психологически и морально.
Люди с синдромом Дауна способны к обучению.
Что и доказывает Пабло – главный герой картины «Я тоже» Альваро Пастора и Антонио Нахарро. В Испании он стал первым человеком с синдромом, закончившим высшее учебное заведение. Теперь Пабло работает в отделе социальной защиты, чтобы помогать таким же, как он. Ведь в Испании все не так, как в России. Здесь родители не бросают детей на произвол судьбы, как только узнают о синдроме. Они готовы ухаживать и учить хоть всю свою жизнь, лишь бы ребенок мог самостоятельно принимать решение. Поэтому-то мама одной из героинь и говорит, что ее дочери «всего лишь 24 года»…
Ребенок с синдромом Дауна – это не плод асоциального поведения родителей.
По статистике один ребенок из 700 новорожденных появляется на свет с синдромом. Это соотношение одинаково в разных странах, климатических зонах, социальных слоях. И оно никак не зависит от образа жизни родителей, их здоровья, вредных привычек, питания, достатка, образования, цвета кожи или национальности.
Пабло родился в интеллигентной семье. Его мать занималась с ним с детства, научила его читать и писать, а затем решила, что ему нужно учиться в обычной школе и – далее – в университете. Старший брат Пабло – Санти – посвятил свою жизнь людям с синдромом, организовав для них танцевальную студию.
Эта семья весьма показательна и образцова, и, слава богу, что и в нашей стране есть люди, которые также борются за счастье и здоровье своих детей.
Вопреки устоявшемуся мнению, люди с синдромом Дауна не представляют опасности для общества. Они ласковы и дружелюбны. Просто у каждого свой характер и настроение, что встречается часто и у обычных людей.
Пабло в этом смысле уникален. Обладая тонким чувством юмора и прекрасного, он способен искренне любить.
Его история начинается с первого дня появления в офисе. Его представили всем, кроме Лауры, опаздывавшей, как обычно, на работу. Уже этот факт привлек нашего героя, а неловкая ситуация за ее столом помогла ему познакомиться с этой очаровательной женщиной.
И пришла, как это не банально звучит, любовь…
«Я тоже» рассказывает нам не о том, что искренние чувства невозможны между «простодушными» и «нормальными». Нет речи и о том, что каждый должен любить только себе подобного. Нет здесь и жалости, которой хоть отбавляй в социальных роликах и фильмах на фестивале «Кино без барьеров».
Перед нами реалистичное и честное кино о взаимоотношениях. Если бы на месте Пабло был, например, гей или женатый, то история, в общем-то, получилась бы идентичная. Невозможность совместного сосуществования, по мнению авторов, рождается не от разных мировоззрений или физических отклонений, а непопадания в унисон.
Эта мысль прекрасно иллюстрируется параллельной сюжетной линией, посвященной любовным отношениям молодых людей с синдромом Дауна – Луизы и Педро. Через танец на уроках в балетной студии они познали цену любви и захотели быть всегда вместе. Их сердца бьются в унисон, и, в конце концов, после их забавных приключений во время побега Луизы из дома, это понимает даже мать девушки и разрешает им встречаться.
У Пабло и Лауры, к сожалению, не может быть такого будущего из-за того, что у каждого свои понятия о любви. Если Пабло готов отдать всего себя целиком, то Лаура впервые влюбилась и страшится этого чувства. У нее были «одноразовые» мужчины, к которым она не испытывала никаких чувств, но маленький веселый человек разбудил в ней женщину и вселил надежду, что она способна любить. Правда, ее чувства все равно недостаточно для такого огромного сердца, как у Пабло. А посему их ожидает лишь одна волшебная новогодняя ночь, после которой они разойдутся друзьями, обретя новый опыт в познании самих себя и своих чувств. Лаура будет учиться любить, а Пабло обретет уверенность в общении с женщинами, которой ему не хватало в свои 34 года.
В картине много юмора, который, прежде всего, исходит от главного героя. Он может смеяться над тем же, над чем смеются обычные люди, а окружающие будут умильно улыбаться и говорить: «Какой он милый!» Знали бы они, над чем он смеется…
Несмотря на то, что в фильме много разговоров о сексе («Но это не пенис! Это банан! И его едят!»), он необычайно целомудренный и светлый. Даже сцены с Лаурой, пускающейся во все тяжкие, не вызывают ничего кроме жалости. Хотя, казалось бы, мы должны жалеть совсем других персонажей…
Нашлось место и ассоциациям. Например, с картиной Жако Ван Дормаля «День восьмой». Правда, та история была более романтичная и фантазийная, чем лента Нахарро и Пастора. А финал в поезде больше всего напоминает Феллини, хотя итальянский маэстро опять же славился, прежде всего, своими фантасмагориями. Немалую роль в фильме играют картины Иеронима Босха, в частности, его знаменитое полотно, повествующее о Рае и Аде. Разговор в музее между главными героями наталкивает на мысль о размытии рамок между обычными и особенными людьми. Что, по сути, и происходит на протяжении всего сюжета. И в конце мы уже не видим различий между синдромом Дауна и «нормальным» состоянием. Перед нами сидит нормальный мужчина, он также свободно делает комплимент девушке, как и обыкновенный homo sapiens. Пабло не стал нормальным, чего так боялась Лаура. Он просто освободился от сдерживавших его рамок, установленных обществом.
Но самое главное достоинство картины – это не талантливая режиссура, сдержанная операторская съемка или попадающая в такт с поступками героев музыка, а великолепная актерская игра дуэта Пабло Пинеда – Лола Дуэньяс. Пабло в Испании довольно известная личность, и ему, собственно, не надо было играть. Вся его роль построена на импровизации. А одна из актрис Педро Альмадовара — Дуэньяс, в очередной раз продемонстрировала свой незаурядный талант перевоплощения. И на сей раз это произошло в картине, спродюсированной Хулио Медемом – мастером любовных историй. Состоявшийся дуэт Пинеды и Дуэньяс раскрывает перед актерами массу новых возможностей и необычайный опыт, и вскоре, думается, мы увидим еще не один подобный эксперимент.
Напоследок стоит напомнить, что ребенок с синдромом Дауна может родиться в любой семье, так как это генетическая случайность.

Но это не кара за грехи, как это считалось в Испании 40 лет назад, а Божья благодать. И она ниспосылается людям не в качестве испытания, а для того, чтобы вы познали любовь, как она есть…

Автор: Макс Милиан

В Киеве прошла неделя испанского кино

Открыл киносмотр во всех городах фильм «Я тоже», главную роль в котором сыграл актер с синдромом Дауна Пабло Пинеда. Этот кинофильм был отмечен призами на кинофестивалях в Сан-Себастьяне, «Санденс», а также стал лауреатом премии «Гойя».  Режиссеры фильма Альваро Пастор и Антонио Нахарро. В главных ролях вместе с Пинедой играет известная актриса Лола Дуэньяс.

«Тридцать лет назад люди с синдромом Дауна могли находиться только дома или в специализированных клиниках, а сегодня могут учиться в университетах. Мы решили рассказать о парне, который первым окончил полный курс обычного университета. Тут Пинеда играет самого себя — он первым окончил университет и его герой тоже», — рассказал Пастор.

При этом он отметил, что «этот фильм — не просто история человека с синдромом Дауна, а история любви этого человека».

«Он оканчивает университет, начинает работать в офисе и влюбляется в коллегу. Мы рассказали об их любви, при этом постарались сделать это легко и ненавязчиво», — рассказал режиссер.

Исполнитель главной роли Пабло Пинеда получил приз как лучший актер на фестивале в Сан-Себастьяне в 2009 году. В России фильм был показан в 2010 году в рамках фестивалей Voices в Вологде и Summer Times в Москве.

Кстати, продюсером фильма выступил известный режиссер Хулио Медем!

Специальный проект фестиваля — драма «Бьютифул» легендарного Алехандро Гонсалеса Иньяриту, главную роль в которой исполнил Хавьер Бардем. Фильм номинирован на «Оскар» в категориях «Лучшая мужская роль» и «Лучший фильм на иностранном языке», а также получил  Серебряную премию за лучшую мужскую роль на Каннском фестивале.

Но об этом фильме мы расскажем Вам отдельно)

Еще одним интересным фильмом фестиваля 2011 стала драматическая комедия «Печальная баллада для трубы», которая представила альтернативное кино Испании от одного из самых неоднозначных режиссеров современности Алекса де ла Иглесиа. Фильм, очень полюбившийся Квентину Тарантино, получил из рук американского режиссера призы за лучшую режиссуру и лучший сценарий на Кинофестивале в Венеции.

Кроме того, в программе фестиваля были представлены комедия «Толстяки» — новый фильм от создателя бестселлера «ТемноСинийПочтиЧерный» Дэниэла Санчеза Аревало (фильм участвовал в Венецианском фестивале, получил семь номинаций на премию «Гойя» и три раза на кинофестивале в Монте-Карло в категориях «Лучший актер», «Лучшая актриса» и «Лучший сценарий») и эротическая драма «Этюды втроем» Сальвадора Гарсия Руиза.

Специально для «Антологии испанского кино»

Костылева Наташа (Киев)

Комната в Риме (Хулио Медема) или возвращение ЭРОСА

Недавно, участвуя в авторской передаче известного философа Назипа Хамитова на радио «Эра» на тему «Эротика и порнография» я поняла одну вещь – наши люди до конца не понимают, что же такое или кто такой Эрос. Если с порнографией все как-то однозначно и понятно, то эротика, почему-то давно нивелировалась, превратившись в некий символ сексуальных отношений, вытеснив тем самым то, что всегда было основой ЭРОСА – ЛЮБОВЬ. Слишком буквальное восприятие понятия Эроса становится проблемой общества, так как оно раскалывается на две половины – одна приветствует все, связанное с сексом, а другая – отвергает, ссылаясь либо на религиозные убеждения, либо на то, что это все должно быть, закрыто и интимно. Но ЭРОС – это Любовь, которая является всеобъемлющим чувством, порождая красоту отношений между людьми и ничего больше, здесь нет различия полов, возрастов, социальных статусов – лишь Человек и Любовь. Греки так хорошо это понимали, что воспевали Эрос, строя все свои культурные достижения на нем.

Проблема в том, что большая часть людей сегодня не обладает глубокими знаниями предмета, мы пролистываем греческую мифологию в бездарных переводах, кликаем мышкой в Интернете, беря лишь поверхностные знания, написанные не на основе исследований, а зачастую людьми, просто заполняющими пространство. Греков нужно изучать на языке оригинала, ибо их слова зачастую несут слишком всеобъемлющий смысл, которому в нашем языке зачастую соответствует несколько слов. Так случилось и с Библией, которую переводили с греческого языка. Греческое слово «логос» означает мысль, намерение, слово и действие одновременно, а переводчики дали ему название лишь «слово», тем самым, лишив слова «Вначале был логос и логос был у Бога» той глубины, которую заложили в нее греки…

Так случилось и с Эросом, богом Любви и Красоты. Буквальность восприятия (причем эта буквальность создана делками, желающими нажиться на старых добрых «брендах», перекручивая их смысл в угоду собственной выгоде). Тоже случилось и с древними трактатами по искусству «Кама-сутрой», которая из сборника по наукам, искусству, медицине превратилась в набор поз для секса. Клише создано и лишь немногие знают, что же было на самом деле… – вот главный камень преткновения в понимании и осознании искусства.

Пролистывая многочисленные страницы всемирной паутины, посвященных выходу фильма Хулио Медема «Комната в Риме» мы нигде не нашли профессиональной рецензии, которая была б направлена на произведение искусства, а не на отдельные сцены фильма. Сплошные клише, разделенные лишь точками зрения за и против… Медем слишком хорошо знает, что такое Эрос, поэтому, когда он говорит об эротизме, он подразумевает ЛЮБОВЬ и это то, что отличает его сегодня от многих режиссеров, старающихся привлечь внимание зрителя обилием откровенных сцен.

 «Комната в Риме» – это один из немногих фильмов, несущих намного больше информации, чем заложено в самих диалогах. Здесь все продумано и построено так, дабы принести миру то СООБЩЕНИЕ, которое снизошло свыше. Музыка, символика обнаженности тела и души, картины, исторические личности, которые в историю человечества внесли тот фактор гуманизма и альтруизма, которого так не хватает миру сегодня; мифология и знаки… символы везде, цель зрителя разгадать их и получить послание, но за рамками нашего восприятия мы часто не замечаем очевидных вещей.

Две обнаженные женщины! – о, это плохо, скажет кто-то, и фильм будет восприниматься именно с этой колокольни. Две обнаженные женщины – это красиво, и зритель видит только это.… Но в фильме Хулио Медема помимо актрис Елены Анайя и Наташи Яровенко присутствуют еще и другие, которые не выходят на открытый диалог со зрителем, но намекают на свое присутствие, заставляя ищущего и внимательного зрителя заглянуть вглубь. Это и Аспазия, которую мир до сих пор не может воспринять однозначно, единственным остается лишь факт ее красоты, образованности и понимания мира, жизни. Именно Аспазия вдохновила Сократа на те мысли, которыми сегодня оперирует мир. Здесь Аспазия символ Женщины.

В фильме неоднократно мы видим Леона Батиста Альберти, который незримо присутствует в жизни героини Наташи Яровенко. Но послание в другом. Помните его знаменитые речи? «Природа, т. е. Бог, вложила в человека элемент небесный и божественный, несравненно более прекрасный и благородный, чем что-либо смертное. Человек рождается не для того, чтобы влачить печальное существование в бездействии, но чтобы работать над великим и грандиозным делом». А чего стоит фраза, намекающая на самого Медема, которую произносит Наташа Яровенко: «Художник должен знать всегда то, что изображает…».

Здесь есть и нимфы, танцующие на картине в коридоре отеля. Сначала оператор лишь вскользь показывает их нам за спиной Наташи Яровенко, а потом, как бы невзначай акцентирует внимание при помощи работника отеля Макса, который, посмотрев на нее, поет итальянскую арию о любви. Нимфы – это не просто мифические существа, это символ невест, символ проявления красоты матушки Природы. Еще раз о нимфах нам напоминают в названии отеля, в котором остановилась Наташа.

Афинская акура, которая часто появляется в кадре – символ встречи, зарождения нового знания. Рассвет и Альба… даже в том, что героиня Елены Анайя приехала в Рим на выставку экологических видов транспорта есть свой намек на мировую проблему и на государственный курс Испании в решении проблем загрязнения воздуха и экономии энергоресурсов.

Отдельный акцент хотелось бы сделать на музыку в фильме. Как и в картине Хулио Медема «Хаотичная Анна», музыку для «Комнаты в Риме» создала Джоселин Пук – удивительный музыкант и композитор, которая может при помощи нескольких звуков заставить понять настроение огромного произведения. Вот что сказал о ней Хулио Медем:

Моим фильмам действительно нужна музыка, и я не утверждаю, что это достоинство. У меня такое чувство, что вся сделанная нами до этого момента работа, — многими людьми за долгое время, — результатом которой является монтаж изображений, ничего не стоит, она не пульсирует, если нет подходящей музыки, то есть музыки, нашедшей поэтический ключ к истории.

Я потратил несколько месяцев на поиски музыкального решения «Беспокойной Аны», я прослушал многих композиторов, преимущественно молодых, пока не наступил великий момент открытия. Это был «Дионис» Джоселин Пук. Мне уже было знакомо ее творчество по саундтреку к последнему фильму Стэнли Кубрика «С широко закрытыми глазами», но я думал, что это была женщина, жившая в 1920-е годы (не могу объяснить почему). Правда заключается в том, что одновременно с тем, что я узнал, что Джоселин Пук — моя сверстница и живет в Лондоне, мне представился случай впервые услышать ее «Диониса». Я испытал настоящее эмоциональное потрясение, головокружительное ощущение, что я только что нашел идеального композитора для своей беспокойной Анны. Это могла быть только она, и я стал нервным, очень нетерпеливым, потому что мне было необходимо знать, сможет ли она и захочет ли написать музыку к моему фильму.

Я отправился в Лондон, и вместе с ней посмотрел «Беспокойную Анну» — вариант, в который я вставил темы из некоторых ее произведений. После просмотра, когда Джоселн вышла из транса, в который погрузил ее фильм. Она начала медленно описывать пейзаж «Беспокойной Анны», пространство и время, интонации, идею путешествия… И в заключение сказала: «Я хочу создать часть этого пейзажа».

Ее слова не могли быть точнее, и сейчас, когда ее работа закончена, мне кажется, что вместе с ней ко мне спустился с неба ангел. Ее музыка словно подымается из женщин, говорящих из глубины времен, и приносит что-то Анне, что-то благородное, что лежит на них тяжелым грузом и заставляет их страдать — временами трагически, но они начинают испытывать удовольствие, радость прибытия по мере того, как приближаются к ней. Музыка Джоселин Пук к «Беспокойной Анне» — это своего рода очень древняя женская энергия, которая постепенно заполняет глубины в Ане, достигает края и переливается через край, когда наступает момент жертвоприношения. Ее вокальная звучность начинается из глубины и завершается, выходя из уст Анны. Музыка Джоселин Пук помогла мне лучше понять и познать свой фильм. Ее музыкальные темы заставляют фильм лететь по воздуху и по глубинам земли. Ее музыка — это ее внутренний женский голос.

Я рад, что и «Комнату в Риме» она наполнила тем смыслом, который я слышал где-то там, в глубине души. (Хулио Медем)

Хулио Медем и его актрисы: Наташа Яровенко справа и Елена Анайя слева

 Приятным фактом стала и роль в этом неординарном фильме нашей соотечественницы Наташи Яровенко, которая сыграла Наташу. Несмотря на всю многочисленную критику в ее адрес, хотелось бы посоветовать зрителям посмотреть этот фильм на испанском с русскими субтитрами, именно тогда вы поймете всю органичность этой роли. За эту роль Наташа была номинирована на одну из самых престижных кинопремий Испании «Гойя».

 

Наташа Яровенко и Хулио Медем на красной дорожке фестиваля в Мадриде

 

Автор: Костылева Наташа

Журнал «Стена»